mises à jour : 09/08/2023 (corrections diverses, actualisation en cours)

Vous pourrez ici en savoir un peu plus sur les accordeurs qui partagent l'atelier Shellopan et leur approche du son.

Notre approche du son et de l'accordage des Handpans :

Shellopan est le nom d'un projet collectif avec un noyau d'artisans qui portant ce projet et de nombreuses personnes du monde entier qui sont venues plus ou moins longtemps dans notre atelier avant de construire leur propre projet. Nous ne recherchons pas à créer des Handpans identiques. Chacun des accordeurs a son style et sa propre recherche du type d'instrument qu'il préfère. C'est une des richesse fondamentale de notre projet qui ne peut être atteinte que lorsque chacun maitrise intégralement le processus de fabrication, chacun est "maker" ET "tuner", ainsi personne n'exploite la force de travail d'un autre. Vous trouverez ci-dessous une présentation du travail des personnes qui signent actuellement les instruments "Shellopan made by... "

Matthieu : "J’ai découvert le Hang de PANArt en 2005, ma fascination pour son timbre sonore m'a fait étudier sa science et sa fabrication dès 2008. Le rêve d'apprendre à accorder le métal devint un projet collectif dès 2010 et j'ai pu présenter les premières créations en public sous le nom Shellopan en 2012.

Cela fait plus d'une décennie au cour de laquelle j'ai pu travailler de nombreuses matières premières différentes. Choisir ma matière première et fabriquer mes propres coques a toujours été une étape particulièrement délicate de mon processus créatif. Chaque matière a des spécificités que je dois découvrir et interpréter pour pouvoir participer par mon travail à l’expression de l’instrument final. Souvent je me suis interrogé pour essayer de comprendre à quel point je devais contraindre la matière pour qu’elle exprime ma considération du son et combien je devais aussi accepter que la matière elle-même allait exprimer quelque chose au travers de mon travail.
Le même questionnement peut s’appliquer en tant que joueur, doit-je imprimer mon style de jeu sur l’instrument ou me mettre à l’écoute de l’instrument pour trouver une symbiose entre mon jeu et le caractère que l’instrument porte en lui ?

Je considère que cette « expression » de l’instrument est le caractère plus ou moins subtil qui va aider le débutant à trouver du plaisir à jouer d’un nouvel instrument même sans avoir une grande expérience. Certains musiciens expérimentés peuvent quant à eux parfois rechercher des instruments sans caractère trop affirmé ou avec des spécificités pour pouvoir développer toute l’expression de leur propre jeu. En tant que maker et accordeur, j’ai choisi d’aider la tôle d’acier à exprimer quelque chose qui n’est pas sous mon contrôle, cela donne une « personnalité sonore » unique à chaque instrument. Ce caractère unique se retrouve aussi dans le visuel de l’instrument, les différents procédés d’oxydation de surface que j’utilise réagissent par interaction entre eux et avec une certaine latence. Le rendu final n’est pas complètement prévisible et l’intention de mon dessin est comme pour le son : révéler toute la palette de couleurs que la tôle porte en elle.

Mon quotidien est aussi un programme de recherche qui mêle l’acoustique à la science des matériaux tout en tentant de découvrir de nouvelles gammes ou de nouveaux timbres de son. Je travaille souvent par série de 4 à 8 instruments avec des thèmes comme par exemple faire des instruments qui vont pouvoir se jouer ensemble, explorer de nouvelles gammes moins connues ou avec plus de notes, réaliser des instruments plus graves avec une basse plus profonde ou apporter une touche d'émotion avec des notes les plus aigües aux modulations spécialement travaillées…

Souvent le sustain et le volume sonore sont des indicateurs faciles à percevoir au premier test d’un instrument, mais il y a bien d’autres paramètres plus subtils qui prennent parfois un peu plus de temps à apprécier comme la spacialisation du son par exemple. J’apprécie lorsque des couplages aigus vers graves sont présents sur l’instrument pour lui donner de la chaleur. La note centrale doit avoir de la souplesse pour faire bouger l’air de l’intérieur de l’instrument et ainsi enrichir la basse. Le travail des "shoulder tones" et la présence de modulations d'amplitude au sein des composantes des notes sont pour moi les clés d'un instrument vivant et unique.
Enfin, le caractère d’un instrument doit me donner envie d’en jouer, de l’apprivoiser, d’exprimer des émotions dans mon jeu. Le contraire d’un instrument que j’aime ? un instrument parfait… trop parfait… trop industrialisé, trop « clinique »… "


Grégory : "Ayant découvert le Handpan très tôt dans son histoire, je n'ai finalement franchi le pas de le découvrir sous un autre angle que très tard. Marteler la tôle pour retrouver ce son et cette vibration si particulière aux Handpans, une envie qui sommeillait depuis quelques années. Tout d’abord je souhaitais savoir réaccorder mes propres instruments et le travail de la tôle est finalement devenu une passion. Sentir la tôle se modeler, lui donner une direction en sachant écouter ce qu'elle nous dit. Il est facile de vouloir lui imposer nos envies, mais ce jeu ne fonctionne pas comme ça. Le métal à son mot à dire, il est malléable mais demande un certain respect. Le métal avait commencé à me fasciner, en étudiant le fonctionnement de la lumière et son interaction avec les matériaux. Les métaux ont une place particulière quand on s’intéresse à la lumière, étudier la partie sonore et vibratoire du métal est tout aussi passionnant. J'explore différentes approches pour l'accordage de mes instruments, et garder une part d’expérimentation me semble essentiel. Le son de mes instruments est certainement influencé par ce que j'aime trouver en jouant du Handpan, une balance entre un son chaud et une certaine brillance. Ma recherche se dirige vers un équilibre, un sustain présent mais doux. Je fais des instruments en fonction des gammes que j'ai envie d'explorer, d'idées ou de découvertes. "